Бердникова Л.Г. учитель МХК
План-конспект урока МХК для 7 класса.
Тема: «Изображение фигуры человека в истории искусства»
Цели:
1.Познакомить учащихся с представлениями о красоте человека в истории искусства.
2. Воспитывать нравственно-эстетическое отношение к миру и любовь к искусству.
3. Развивать творческую и познавательную активность.
Оборудование и материалы : подбор иллюстраций и репродукций произведений искусства различных жанров и периодов с изображениями фигуры человека, презентация, видеоролик «Красота женщины сквозь века»
Ход урока
«Человек — мера всех вещей»
Протагор
Человек всегда был и остается главной темой в искусстве. Представление о красоте человека, о наиболее существенном в его облике и его действиях менялись в истории искусства.Произведения пластических искусств как уникальные документы истории в ярких и зримых образах доносят до нас представления о красоте человека, существовавшие в различные исторические эпохи.
Какие же были представления о красоте человека и его тела? Вы любите путешествовать? Давайте на сегодняшнем уроке совершим экскурсию по страницам истории, по страницам цивилизаций и увидим, как оценивалась красота человека в разные периоды истории.
Посмотрите внимательно на название нашей темы. Как вы думаете, о чем пойдет речь? С чего логичнее всего начать характеризовать способы изображения человека в истории искусства?
Итак, мы пришли к выводу, что начинать экскурсию следует с первых дней жизни древнейших людей.
Представьте себе, что мы оказались в музее изобразительного искусства и рассматриваем экспозицию «Человек - мера всех вещей».
Я буду вашим экскурсоводом, ну, а вы- внимательными слушателями. Очень часто посетители не рассчитывают на свою память и записывают услышанное в блокноты. Попробуем учесть этот полезный опыт, вместо блокнотов у вас в руках будут тетради, куда вы по ходу экскурсии будете заносить услышанный материал. В конце урока, возможно, у меня возникнут к вам вопросы об услышанном и я посмотрю ваши записи. Готовы? В путь!
Посмотрите внимательно на стенд «Палеолитические Венеры». На ней изображены небольшие фигурки женщин, найденные археологами при раскопках. Опишите их.
Проверка выполнения задания
Итак, мы увидели, что эти небольшие скульптурки демонстрируют как мастерство исполнения, так и примитивность.
В учебнике по истории мировой художественной культуры мы можем прочитать об этом так: «Мастерство в том, как цельно и сильно почувствована пластика объемов тела: в этом смысле фигурки выразительны и, при своих малых размерах, даже монументальны. Но в них нет проблеска духовности. Нет даже лица — лицо не интересовало, вероятно, просто не осознавалось как предмет, достойный изображения. «Палеолитическая Венера», с ее вздутым животом громадными мешками грудей, — сосуд плодородия и ничего сверх того».
(Дмитриева, Н А., Виноградова, II. А. Искусство древнего мира.—М. 1989.—С. 15.)
Вопрос: - Почему древний художник изобразил женскую фигуру таким образом?
Учащиеся высказывают свое мнение.
Действительно, фигуры этих женщин сложно назвать эталоном красоты сегодняшнего дня, но в те далекие времена человек создавал эти фигурки не с целью передать женскую красоту, а воплотить в материале силу женского начала, способность к деторождению и кормлению. Именно поэтому многие найденные фигурки изображают женщин с большой грудью, бедрами и беременным животом. Очевидно, что для людей того времени женщина была чем-то сродни божеству, которое несет в себе вечную жизнь и процветание.
Как же менялись представления о красоте человека дальше и какие правила изображения человека стали появляться? Мы входим в зал «Древнеегипетские рельефы и изображения человека»
Вопрос: — Как вы считаете, древнеегипетский художник стремится изобразить конкретный образ или обобщенный? — Что в изображении фигуры человека вам кажется неестественным?
Учащиеся высказывают свое мнение.
(Плечи развернуты в фас, а голова и ноги в профиль.)
Однако такое положение фигуры не умаляет выразительности, дает возможность рассмотреть ее с разных точек зрения способствует целостному восприятию индивидуализированного образа, получению наиболее полной информации об изображенном.
Существовал определенный Канон— свод правил и законов, которыми должен был руководствоваться художник при построении рисунка, — регламентировал в древнем Египте своеобразный критерий красоты.
Вопрос: — Как вы думаете, согласно канону, кого древнеегипетский художник должен был изображать наиболее старательно и строго по правилам?
Учащиеся высказывают свое мнение.
Идеалом красоты, верхом совершенства в древнем Египте был фараон. Его изображали строго по канонам, чтобы показать все величие и богоизбранность фараона-ведь правитель считался сыном богов и приравнивался им. Однаго в действительности фараоны нередко были далеки от идеала: в 1922 году, когда Говард Картер нашёл нетронутую расхитителями гробниц усыпальницу молодого египетского фараона Тутанхамона в Долине царей, было обнаружено, что у молодого фараона одна нога была короче другой. Это, по-видимому, хорошо скрывалось, так как в Древнем Египте такой недостаток считался наказанием богов и если у правителя обнаруживался физический недостаток у народа могли возникнуть сомнения в его праве на престол.
Продолжаем нашу экскурсию. Перед вами произведения искусства уже другой эпохи.
Вопрос: - Где и когда они были созданы?
Учащиеся высказывают свое мнение.
Ученые выделяют три периода в истории греческого искусства:
1) архаика, или древний период, - примерно с 600 до 480 года до н.э
2) классика, или период расцвета, - с 480 по 323 годы до н.э. - год смерти Александра Македонского
3) эллинизм, или поздний период; он закончился в 30 году до н.э
Античное искусство Греции и Рима показывает красоту физически совершенного человека.
Вопрос:— Вспомните уроки истории и ответьте: «Какими принципами руководствовались художники при изображении человека?»
Учащиеся отвечают.
В искусстве Древней Греции сложился образ идеально прекрасного и гармонически развитого человека гражданина, доблестного воина и патриота, в котором красота атлетически тренированного тела сочетается с нравственной чистотой и духовным богатством.
Это нашло отражение в скульптуре, живописи и декоративном искусстве. Греческие мастера изучали строение человеческого тела, соразмерность его пропорций, пластику движений, особенно во время Олимпийских игр.
Перед вами знаменитая скульптура древнегреческого скульптора Мирона «Дискобол».
Обратите внимание: скульптор придает большое значение пропорциональным соотношениям частей фигуры спортсмена все в ней соразмерно и гармонично.
Мирон развивает мотив движения... Человеческое тело принимает у него такую позу: дискобол держит в руке диск, другая рука согнута у колена. Все тело его в эту минуту уподобляется согнутому луку.
Пройдемте дальше. Наша следующая экспозиция посвящена скульптору Праксителю, который подарил миру статую Афродиты Книдской, богини любви и красоты. В Древней Греции красота человеческого тела была гарантом красоты души.
Фрина была моделью и подругой Праксителя. Именно она послужила моделью для статуи Афродиты Книдской. За это ее обвинили в кощунстве и богохульстве. Потому что знавшие Фрину улыбались, глядя на статую Афродиты, а видевшие статую благоговейно смотрели на Фрину. Паломники, преклоняясь перед Афродитой, шептали « как прекрасна твоя божественная красота о Фрина» а вслух восклицали « Афродита, прекрасная Афродита».За это Гетера Фрина была обвинена в кощунстве. Когда ее защитнику на судебном процессе Гипериду не хватило слов, чтобы ответить на обвинения и он обнажил грудь Фрины, воскликнув «Вот, посмотрите! Может ли девушка со столь прекрасным телом кощунствовать и лгать нам? Ее душа столь же прекрасна, как и совершенное ее тело!» По преданию судьи, ослепленные ее красотой, прекратили процесс.
Проследуем в зал под названием «Искусство Древнего Рима».
Наследником художественной культуры эллинизма стал Древний Рим. Скульптурный портрет этого времени отличался точной характеристикой и жизненным правдоподобием образов.
Перед нами римская статуя — Статуя Октавиана Августа, обращающегося с речью к войскам.
Изображение Амура, сына богини Венеры (Афродиты), напоминало о божественном происхождении императора — ее потомка. Это идеализированный памятник могущественному правителю. Тщедушный и болезненный первый римский император Октавиан изображается атлетически сложенным, «богоподобным человеком».
Вопрос. - Взгляните на статую рядом с Октавианом Августом. Что вы видите в глазах этого человека?
Учащиеся высказывают свое мнение.
Если Древнюю Грецию мы назовем миром эстетов, отДревний Рим это мир воинов, мир завоевателей. Здесь нет места красоте тела, мы видим нечто другое В глазах воина - завоевателя мы увидим и память сражений, через которые прошел римлянин, и боль потери товарищей, близких. Мы увидим твердость духа и уверенность в своих силах.
Мы переходим в зал «Эпоха Возрождения»
Духовная и физическая красота человека — главная тема творчества великого итальянского художника и скульптора эпохи Возрождения Микеланджело. На вопрос «Как вам удается создавать такие великолепные статуи?» он ответил фразой «Я беру глыбу мрамора и отсекаю от нее все лишнее». Его «Давид»— величественный и прекрасный юноша, исполненный беспредельной отваги, решимости, благородства. Он спокоен, однако чувствуется его готовность приложить все усилия для борьбы со злом, для победы справедливости. Это подлинный монумент героической личности, человеку, духовно и физически совершенному.
Микеланджело ваяет свою скульптуру из мрамора. Большая глыба камня имела дефекты, в ней были трещины, и никто не верил в то, что из этой громады можно что-либо сделать. Но художник взялся за работу тщательно продумал будущий пластический образ, и смог «извлечь» из мраморного монолита великий немеркнущий образ.
Вопрос:— «Давид» — известный библейский герой, каким подвигом он себя прославил? Как вы думаете, почему для осуществления своего замысла Микеланджело обратился к древним образам?
Учащиеся обсуждают и отвечают на вопросы.
Обратимся к книге об искусстве этого периода. В ней мы можем прочитать следующее: «Согласно библейской легенде юный Давид (тогда всего лишь пастух, впоследствии мудрый правитель) убил великана Голиафа, сразив его камнем, пущенным из пращи. Микеланджело создал статую для своей родной Флоренции ибо Давид защитил свой народ и справедливо им правил: так великий скульптор своим искусством хотел утвердить тот идеал гражданственности, в котором он видел спасение униженной родины».
Вопрос:— Какая скульптура вам понравилась больше всего? Почему?
Каждая эпоха находит адекватные историческому времени художественные формы отражения своих представлений о красоте.
Эпоха итальянского Возрождения наряду со скульптурными образами подарила миру множество живописных произведений. Перед вами две работы выдающихся мастеров того времени: Джорджоне и Леонардо да Винчи.
Написанная Дкорджоне в первые годы ХУI столетия «Юдифь» утверждает идеал Высокого Возрождения, который нашел выражение в картине через внутреннюю раскрепощенность композиции, размеренность изобразительных форм, красоту и утонченность женского образа, певучесть линии красочных сочетаний.
«Она прекрасна и необычна — Юдифь Джорджоне, — пишет искусствовед А. Варшавский. - Освободить родной город от нависшей над ним грозной опасности вызывалась красавица Юдифь. С предводителя вражеских войск Олоферна возвращается она в отчий дом.
Враги дрогнули, они побегут, когда на городской стене будет выставлена голова Олоферна, и вечно будуг славить подвиг юной вдовы, ее самопожертнование, ее удачливую удаль сограждане, те, кого спасла она от чужеземного ига, может быть, от смерти.
Уже все позади. Уже все свершилось. И задумчиво глядит на отрубленную голову вражеского полководца Юдифь. Что проносится перед ее внутренним взором?
Может быть, одной из сильнейших сторон гения Джорджоне было умение в спокойствии выразить непокой.
Говорят, легенда о Юдифи пользовалась особой любовью в
Венеции. Ее образ стал своего рода символом любви к отечеству, самопожертнования».
«Мона Лиза» считается самой известной картиной Леонардо. Мы можем видеть её в Париже, в Лувре. Ряды длинных галерей, на стенах — драгоценные свидетельства творческого гения человека; каждый этюд, каждая картина — кладезь исторического прошлого, живые свидетельства немногих избранных.
Картина — всего лишь 30 дюймов в высоту, и Мона Лиза изображена сидящей на низком складном стуле; её тело повёрнуто влево, правая рука покоится на левом предплечье. Лицо обращено к зрителю слегка под углом, тогда как карие глаза смотрят прямо на вас.
На заднем плане — фантастический пейзаж с холмами и горами, тёплых и мягких тонов, над ним постепенно светлеющее небо. Две колонны по краям пейзажа закрывает нынешняя рама картины. В этом полотне прекрасны все детали, но внимание прежде всего захватывает лицо.
Картину невозможно описать словами: чем дольше вы смотрите на неё, тем больше возрастает её воздействие на вас, и вы начинаете чувствовать то удивительное очарование, которое покоряло стольких людей на протяжении веков. Более того, Леонардо добился интересного эффекта: с какого бы угла комнаты вы не смотрели на Мону Лизу она будет как будто преследовать вас своим взглядом.
Человек всегда был и остается главной темой в искусстве. Представления о красоте человека, об отношении его к богу, о наиболее существенном в его облике и его действиях менялись в истории искусства.
Давайте посмотрим как!
ОБРАЩЕНИЕ К ВИДЕОРОЛИКУ.
(показ изображений женщин на протяжении развития живописи)
Вы наверняка уже видели, какие то произведения, а какие-то для вас откроются только сейчас..
Наша экскурсия подходит к концу. Давайте я просмотрю ваши записи.
(Учитель просматривает тетради нескольких учеников)
А теперь постарайтесь ответить на мои вопросы
— Что объединяет все эти произведения?
— Какое у вас сложилосьпредставление о красоте человека?
— Как вы понимаете значение выражения «духовная красота»?
— Какое из указанных произведений произвело на вас наибольшее впечатление?
Ученики отвечают.
Подведение итогов занятия.
Да, Человек — главная тема в искусстве. Каждая историческая эпоха выражает понимание красоты по-своему, но в этом разнообразии, безусловно, есть что-то общее.
Урок 2. Давно пора
Образ человека - одно из самых противоречивых понятий в истории мировой художественной культуры. На протяжении разных эпох, человек воспринимал себя по-разному. И от этого восприятия менялся и образ его жизни. Сегодня я хочу провести параллель через исторические эпохи и показать, как менялся этот образ.
Эпоха античности.
Эпоха античности считается эпохой просвещенности. Главным в восприятии мира у людей считалась естественность, а человеческое тело служило эталоном в мире искусства. По подобию построения пропорций человеческого тела, люди возводили здания. Бог был человеком, а человек - богом. Богов наделяли людскими страстями и пороками и возводили статуи людям, подобно богам. Человеческое тело было храмом. Скульптор воссоздавал в мраморе каждое движение и каждую складку на одежде. Каждая мышца была на своем месте, создавая впечатление застывшего в камне мгновения, подобно захваченному взглядом горгоны Медузы.
Не только скульптура воспроизводила человеческое тело. Настенные фрески привносили в помещение то, что люди хотели видеть - пейзажи, сцены застолий, танцев, мифологические мотивы, сцены эротического характера. И все было изображено так же - с великой точностью. 
В I-III вв нашей эры, после захвата Египта Александром Македонским, в египетском городе Фаюм изготовлялись погребальные портреты отличавшиеся поразительным сходством с жившим человеком и техникой исполнения напоминавшей картины эпохи Возрождения. Снова люди научатся так писать только через тысячу лет.
Эпоха средневековья.
Эпоха средневековья, по разным подсчетам, длилась от восьмисот до тысячи двухсот лет в разных регионах Европы. Это был период смутного времени, включающий в себя множество вех, как в истории, так и в искусстве. Главным для европейского человека стал Бог. Тело же превратилось в рудимент, оковы для бессмертной человеческой души. Ведь душа бессмертна, а что есть тело? Тело конечно, оно постоянно что-то хочет: ему надо есть, спать, ему нужно тепло, ему нужна ласка. Иисус страдал ради нас на кресте, и мы должны страдать, через укрощение своего тела, чтобы очистить душу. Человек зачинается во грехе, рождается во грехе и всю оставшуюся жизнь старается искупить этот грех, чтобы попасть в Небесное Царство. 
Как и в Египте - культ жизни после жизни, но, в отличие от Египта, у средневекового человека жизнь должна была начаться только после смерти. А, раз тело - настолько бренно и, по сути, ненужно - нет смысла стараться изобразить его красиво. Сначала художники учились, как разучиться рисовать людей, потом, через века - снова пытались научиться. 
Человек был маленьким и ничтожным, но что получило развитие - так это храмовое искусство и архитектура. Смутное время войн сменилось мирным - романский стиль в архитектуре с его толстыми укрепленными стенами и маленькими окошками-бойницами сменился готикой, и она стала первым стилем, объединившим всю Европу. В эпоху готики Церковь больше не являлась оборонительным сооружением, где множество людей находились под защитой Бога (и толстых стен), все больше людей стали посещать храмы, и от архитекторов потребовалось больше внутреннего пространства для вмещения всех прихожан. Это было решено, через распределение веса здания на арочную конструкцию внутри помещения и на аркбутаны и контрфорсы - снаружи. Само название «Готика» пришло от насмешки, что арочная конструкция соборов напоминала по своему виду дома конструируемые племенами готов, связывающих верхушки деревьев для создания куполообразного жилища. Распределение веса здания решило проблему толстых стен и позволило архитекторам проектировать огромные оконные проемы, которые заполнил появившийся в то же время витраж. Обилие декора довершало картину - все, что есть в мире сделано Творцом - значит нет ничего плохого, чтобы использовать это везде. Только представьте: простой человек из деревни приезжает в город в церковь и перед ним встает прекрасное огромное ажурное сооружение. Он входит внутрь и видит лучи переливающегося света от сверкающих оконных проемов, изображающих святых и сцены из Библии. И он понимает, что Бог на самом деле есть. 
Эпоха Возрождения. 
Вслед за Средневековьем приходит эпоха Возрождения, когда люди стали откапывать античные города, находить античные предметы искусства и понимать, что когда-то было по-другому. Послабление власти церкви приводит к тому, что общество становится более светским. Художники заново учатся писать человека, только для этого им приходится его вскрыть, чтобы узнать, где располагаются мышцы и кости, и как из этого правильно написать силуэт. Они продолжают писать на религиозные темы, но, вместе с этим, люди заказывают им свои портреты в виде святых, что показывает, насколько церковь потеряла свою власть в их умах. Художники экспериментируют с техниками, изобретают новые краски, новые стили. Известно, что Леонардо да Винчи был одним из первых, кто стал писать маслом. Его вклад в полотно Верроккьо «Крещение Христа», коленопреклоненный ангел, получился настолько ярким и живым, что Верроккьо, по легенде, ушел из живописи в скульптуру, сказав, что ученик, в свой первый же раз, превзошел учителя, и ему нечему его научить. 
Эпоха Барокко.
Следующая за эпохой Возрождения, но отличная по своему характеру - эпоха Барокко. Люди эпохи Барокко уходят в своем представлении о красоте от античной естественности и стремятся деформировать, модернизировать свои тела, придать им новую, идеальную форму. В моду вошли корсеты, выбеленные лица с нарисованными «мушками», напудренные парики, в которых копошились вши и мыши. К слову сказать, кудлатые мужские парики были введены в моду королем Людовиком XIV. Живя по принципу «держи друзей близко, а врагов еще ближе», он окружил себя министрами и военачальниками, которые со временем превратились в лизоблюдов, стремящихся попасть на глаза правителю и повторяющих за ним изменения в одежде. Когда Людовик начал лысеть, он одел парик. Все, кто его окружал сделали то же самое. 
В эпоху Барокко большой любовью пользовались избыток деталей, резные украшения, позолота, светильники на огромное количество свечей. И оптические иллюзии. Больше всех в плане иллюзий отличилось итальянское Барокко. И непревзойденным мастером считается флорентийский живописец и архитектор, Андреа Поццо. Шедевром Поццо считаются фрески апсиды, потолка и роспись подкупольного пространства римской иезуитской церкви Сан-Иньяцио. При постройке церкви, из-за недостатка средств, не был возведен купол. Монахи решили заменить купол росписью и, чтобы не выбиваться из бюджета и чтобы все было совершено по иезуитским канонам, пригласили для этой работы одного из своих монахов - Андреа Поццо. Поццо начал с росписи небольшого купола в апсиде здания. Монахам настолько понравилась эта работа, что они заказали ему роспись подкупольного пространства над алтарем.
В самой высокой точке - сам святой Иньяцио, основатель иезуитской церкви, и ждущее его Небесное царство. 
Люди стали чаще задаваться вопросом «Что мы есть?». Французский философ Рене Декарт, наблюдая за модными в то время статуями-фонтанами, которые стояли неподвижно и, при приближении к ним человека, оживлялись и обливали его водой, подумал - что если движение живых организмов так же зависит от рычагов, шестеренок и поршней? Он стал искать ответ, подвергая каждое свое суждение опровержению и пришел к тому, что неопровержимой осталась только мысль. Так он и дошел до своей известной впоследствии фразы - «Cogito ergo sum». «Я мыслю - следовательно я существую.»
Эпоха Классицизма.
В эпоху Классицизма деятели искусства снова обращаются к античным традициям, беря их за эталон. В архитектуре появляются элементы античных зданий - портики, колонны - в живописи - античные статуи, персонажи часто одеты на античный манер. Из этого выйдет впоследствии академизм - стиль в искусстве, с которым будут бороться импрессионисты и другие бунтари искусства. 
Две разных части Света.
И, в заключении, я бы хотела поговорить о двух частях света, кардинально отличающихся своими взглядами на то, что такое красота. Это страны Восточной Азии - Япония и Китай - и Соединенные Штаты Америки.
Я буду говорить о Китае и Японии в связке, потому что в их культуре много общего, хоть и с сильным влиянием менталитета своих стран. В Китайской культуре нет, как таковой, ценности человеческой жизни - их всегда было много - один уйдет, на его место придет другой. Как говорят сами китайцы: «Нет ценности человеческой жизни - есть указ императора» - если тебе надо умереть - ты умираешь. Но, с другой стороны, цель каждого отдельного человека в жизни - добиться личностного счастья, и никто не имеет права лишить тебя этого. Так же, в китайской культуре, каждый символ имеет в себе скрытую силу. Даже архитектуру они строят на подобие какого-нибудь иероглифа или знака, чтобы само здание работало на достижение поставленной цели. Для Японии - это слишком сложно. Инь и Ян - единство противоположностей, в белом есть частица черного, в земле есть частица неба - для них это слишком сложно. Они взяли из китайской культуры то, что посчитали достаточным - гармония и естественность.
Три основных понятия прекрасного в японской культуре - это «ю-гэн» - намек - «ваби» - пустота - и «саби» - патина, доказание конечности. Намек - это полупрозрачные сёдзи, свет, проходящий через бумажный фонарь. То, что открыто - не интересно. Интересно то, что таится за размытой формой. В Японии нет такого отношения к наготе, как в Европе - это естественно. А, раз естественно, значит не стыдно. Нагота не возбуждает, если не направлена на это. Гораздо интереснее, когда тело скрыто в слоях одежды, как жемчужина, и ты догадываешься, что же там внутри. То же самое можно сказать и о японских кондитерских изделиях, которые отличаются очень тонким, легким вкусом. Естественной сладостью бобовой пасты, агар-агара и добавленных для украшения ягод. Они не добавляют туда сахар, потому что избыточность - не интересна.
В Европе пустота - это нечто страшное, непонятное, пустота - это ничто. В Японии - пустота - это то, из чего все появляется. Они не рисуют малиновку над пионом - они рисуют пустоту, чтобы оттенить сами фигуры. Басе, обозначая тишину не писал "так тихо", он писал "слышно тиканье часов". Как тишина подчеркивается через тихий звук, так и здесь - художник впускает пустоту на полотно через помещение туда персонажей.
Без смерти нельзя понять жизнь. Смерть - часть жизни, поэтому через нее узнаешь красоту жизни. Японцы называют европейцев однобокими, за то, что те отрицают смерть и живут чтобы жить и радоваться. Но забывая, что жизнь конечна, невозможно в полной мере насладиться ее полнотой. Без добра нет зла, без лишений не поймешь всю прелесть от приобретения. Так же и с вещью. Если она пожила свое, если она покрыта трещинками, потерта - видна ее хрупкость - от этого она становится еще прекрасней - в ней есть душа. Даже у новых печатей специально скалывают кусочек, чтобы показать их конечность, естественность - а значит красоту. Во времена античности не допускали никаких сколов и трещин - предмет конечен, а значит не идеален. В Японии наоборот - поскольку у всего есть смерть - это ценится еще больше. Цветение сакуры - воплощение этого. Потому что лепестки опадают с деревьев за очень короткий срок, и нужно насладиться каждым мгновением, что ты это видишь. 
США прививают миру, через фильмы свою культуру. Культуру недостижимого идеала - культуру преобразования, жизни в мечтах. Еще Джордж Буш старший говорил в своем выступлении, что "святая миссия, возложенная на Америку - заставить всех остальных думать так же, как и мы". Именно из Америки пришла мода на пластические операции - достижение своего несуществующего идеала. В идеальном мире никогда не умирает главный герой. В идеальном мире всегда счастливый финал. Не обязательно четко следовать каким-то правилам, поэтому вы не найдете достоверных «исторических» недокументальных фильмов. Это не их история - не они ходят каждый день на работу через Парфенон - нарядили людей в тоги, поставили колонны - уже Греция. И не важно, как будут взаимодействовать люди. Поэтому каждый подобный фильм показывает нам современных американцев в разных декорациях. Главное, чтобы было зрелищно. Так же и в стилях. Америка - страна своих стилей и форм. Здесь нет художественных стилей, понятных нам - барокко, классицизма, ар ново - там есть дворцовый стиль, в котором содержится все, что человек считает роскошью: колонны, золотой унитаз, кровать с балдахином. Морской стиль, тропический, индустриальный - и многое-многое другое.
Так же следует заметить, что американцы - люди, которые не любят, когда их считают глупыми, поэтому им не нравятся сложные формы и метафоры, которых они не могут понять. Сюда же входят и слишком простые сравнения - по той же причине. Основная масса людей прибывает в "золотой середине" между этими полюсами - в красиво поданном пространстве, завуалированном ровно настолько, чтобы человеку казалось, что он сам обо всем догадался. И есть люди, которые придумывают и создают эту середину для простых граждан.
Американская культура отличается отсутствием фольклора. У переселенцев не появилось своих мифов, не зародилось новых богов - они были слишком «взрослыми» для этого. Поэтому американцы создали своих джиннов и лепреконов. У них появились супергерои. Америка - единственная страна, у которой есть супергерои. Ведь что такое супергерой? Идеальный человек, создающий идеальный мир. 
*материал собран из различных источников
Зрительное восприятие окружающего мира является, несомненно, самым главным в жизни человека, ведь более восьмидесяти процентов информации человек воспринимает благодаря зрительным рецепторам.
Люди узнают мир через изображение и в меньшей мере благодаря звукам, осязанию, обонянию и вкусу.
С давних времен люди пытались отобразить окружающий их мир, а самый часто повторяющийся и самый интересный предмет изображения — это человеческое тело.
Удивительно, насколько притягательным оно является, и какое бесчисленное множество самых необычных изображений встречается в истории искусство от первобытных времен и до нашего времени.
Без сомнений, это – неиссякаемый источник вдохновения и постоянный объект интереса в живописи, скульптуре, фотографии и телевидении.
Хотя само человеческое тело оставалось практически неизменным в течение многих веков, изображения зачастую не являются точной копией человека.
Представления о красоте и идеале постоянно трансформировались и в каждой эпохе люди воспринимают себя по-разному. Зачастую это всего лишь образ, напоминающий человека – своеобразное воображаемое представление о человеческом теле.
И это неудивительно, потому как наш мир – всего лишь мир иллюзий возводимых творческой личностью в реальность. Но в каждое время и в каждой эпохе есть особый ключ к пониманию, почему люди так себя представляют.
Рассматривая древние женские статуэтки первобытного искусства, невольно обращаешь внимание, что некоторые детали тела либо намеренно отсутствуют, либо существенно приуменьшены, а другие детали гротескно преувеличены.
Невольно это наталкивает на мысль, что именно ценилось в первобытном обществе. Суровые условия жизни и необходимость выживания вида подталкивали к ассоциированию объемного женского тела идеалом изобилия и красоты, который даст возможность продолжить свой род.
Египетское государство — одно из самых древнейших, и эта цивилизация оставила после себя самое самобытное и строго каноническое искусство.
Возникнув более семи тысяч лет назад, оно просуществовало в неизменной форме почти пять тысячелетий. В строгой геометричности фигур, которые всегда были одинакового роста и типа телосложения, скрывается главная загадка – почему все изображения такие единообразные?
Переходя на другой этап развития общества, человечество потеряло ценность пухлого тела и больших жировых запасов. В древнеегипетском обществе царила строгая иерархия, люди поклонялись богам, верили в загробную жизнь и считали фараона воплощением бога Ра на земле.
Фараон должен был быть подобным богам и любые несоответствия с этим образом тщательно скрывались. Обликам правителей придавали одинаковые черты не только на изображениях, но в жизни.
Общество не желало меняться и стремилось оставаться таким же, поэтому в четкой геометричной выверенности фигур этого формализированного искусства скрывается преувеличение стремлений общества – оставаться таким, какое оно есть на данный момент и не меняться, тем самым создавая вечность на земле.
Возникшая немного позже культура Древней Греции много переняла у египтян и многие скульптуры вначале походили чем-то на египетские.
Но стремление наиболее реалистично изобразить человеческое тело подталкивало скульпторов искать новые технологии. В этой цивилизации царил культ тела, возводящий в абсолют как внешнюю, так и внутреннюю красоту человека. Физическая красота предполагала и красоту души.
Греки были уверены, что Олимпийские боги, спускаясь на землю, принимают вид красивого мужчины, женщины или животного, и чем красивее было тело – тем ближе чувствовал себя человек к богу.
Экспериментируя с изображениями, древние греки достигли небывалых успехов и достигли максимальной реалистичности в скульптуре.
Таким образом в скульптуре мальчика Крития все части тела – голова, глаза, нос, уши, рот, торс, ноги и руки – были похожи на живые. Кажется, что это не холодный мрамор, а живая кожа, под которой находятся мускулы и по венам пульсирует кровь.
Но достигнув такого точного, реалистичного изображения действительности скульпторы столкнулись со странным эффектом.
Излишняя реалистичность фигуры мальчика не вызывает большого интереса у соплеменников, и чувства, которые они испытывают, глядя на эту скульптуру больше похожи на разочарование и раздражение, чем на восхищение.
Постигнув эту истину, древнегреческие мастера стали искать другие формы для выражения и осознали, что зрителю нужно такое изображение, чтобы включалось его воображение, помогающее додумывать, дорисовывать значимые для себя черты и мысленно добавляли завораживающие детали.
Особенностью человеческой психики является то, что он тяготеет к преувеличению значимых для него характеристик. И, естественно, в каждой эпохе эти характеристики различны.
Следующим шагом, который предприняли древнегреческие скульпторы, было представить тело не в статике, а в движении.
Реализм созданных ими фигур виден только на расстоянии, но при близком рассмотрении некоторые элементы оказываются преувеличенными или приуменьшенными, что невозможно у живого человека.
Зачастую ноги у статуй удлиннены, а у атлетов, чтобы подчеркнуть силу мышц спины, сильно выделяется линия хребта. Таким образом древние мастера смогли создали более человеческое изображение человека чем предыдущие и грядущие цивилизации, и более человеческий образ, чем сам человек.
От культа прекрасного человеческого тела маятник истории качнулся в сторону аскетичности, презрения к телесному, отрицанию физических потребностей и удовольствий.
Христианство во времена Средневековья поощряло добровольные страдания, ограничения в еде, что обозначало приобретением духовной просветленности через смирение плоти.
Пропорции тела, не говоря уже о наготе, считались недостойным предметом интереса, и внимание уделялась исключительно лицу как образу бестелесной души, а само тело имело весьма обобщенные формы и были прикрыто одеждами.
В искусстве используются различные евангельские сюжеты, сами изображения плоскостные, линейные, а пространство понималось иррационально. Еще одной важной чертой искусства того века был символизм, который был разработан в соответствии с христианскими канонами.
В эпоху возрождения физическая красота человека снова становится важной. Художники и скульпторы уделяли много внимания исследования пропорций тела и одним из таких примеров является изображение витрувианского человека.
Но внимание уделялось не только физическому аспекту — Возрождение интересовал человек в целом. Сюжеты картин черпались одновременно из античных мифов и легенд, и библейских сказаний.
Изображения античных богов, апостолов, Христа, Господа, девы Марии и обычного человека были одинаковы по стилю изображения. Персонажи картин имели также и ярко выраженный индивидуальный черты и наделялись человеческой мотивацией поступков.
В высшей степени антропоцентичной и гуманистическое искусство достигло невероятных высот в изображении человеческого тела, его пластики, движений и эмоций, воплотив это в сложном трехмерном пространстве и многоплановых сценах.
Семнадцатый век ознаменовался развитием научной мысли, отказом от религиозного мировоззрения и практическим применением достижений науки для блага человечества. С этого момента в искусстве уже не было доминирующего вида изображения окружающего мира и человеческого тела.
В эпоху Просвещения существовала сразу же два стиля — барокко и классицизм – а позже появились новые направления.
Изображение человека осмысляется либо в невероятно реалистичном изображении, когда важна каждая деталь и все передает не только физическое обличье, но и духовную суть, либо в парадных портретах, когда за очарованием мягкого бархата, воздушного шелка, загадочном мерцании жемчуга и пушистого меха, человек предстает без своих эмоций, чувств и стремлений как персонаж своей эпохи.
Художники находятся в поиске различных техник, средств изображения и передаче цветовой гаммы, изображают не только власть имущих, но и средний класс, крестьян, пастухов, шутов и циркачей.
Экономические кризисы, низкий уровень жизни приводят к появлению жанров, когда человек окружен райской природой, роскошью и он сам беспечен, бездумен и невероятно радостный. Эпоха Романтизма привносит образы бесстрашных, волевых и мужественных людей, черпающих свои дикие силы из лона природы.
В искусстве двадцатого века продолжаются классические традиции реалистического изображения, воспевающие единение духовного и физического, но искусство ищет новые формы – абстрактные – чтобы выразить глубокий внутренний мир человека, отбрасывая физическое воплощение.
Каждая конкретная эпоха пытается найти свои, адекватные духу времени художественные формы, средства и палитру цветов с целью отражения ценностных в то время представлений о человеческом теле.
Изображение фигуры человека в античном искусстве
Античное искусство – это искусство Древней Греции и Древнего Рима.
Три периода в истории греческого искусства
1) архаика, или древний период, - примерно с 600 до 480 года до н.э
2) классика, или период расцвета, - с 480 по 323 годы до н.э. - год смерти Александра Македонского
3) эллинизм, или поздний период; он закончился в 30 году до н.э
В искусстве Древней Греции сложился образ идеально прекрасного и гармонически развитого человека гражданина, доблестного воина и патриота, в котором красота атлетически тренированного тела сочетается с нравственной чистотой и духовным богатством.
Это нашло отражение в скульптуре, живописи и декоративном искусстве. Греческие мастера изучали строение человеческого тела, соразмерность его пропорций, пластику движений, особенно во время Олимпийских игр.
Художники добивались реалистически правдивого изображения в греческой вазописи и скульптуре, которая обрела пластическую свободу и жизненную убедительность.
Мирон «Дискобол» Поликлет «Дорифор»
Фидий – статуи для афинского акрополя
На смену классическим традициям с конца 4 века до н.э. приходит более сложное миропонимание, обостряется интерес к раскрытию внутреннего мира человека, передачи могучей энергии, динамики образа, его правдивости. (скульптуры Скопаса, Праксителя, Леохара, Лисиппа).
Леохар
Лисипп
Три последние столетия существования греческой цивилизации называют эпохой эллинизма. Скульптору в своих творениях воплощают торжество побед (Ника Самофракийская, Пергамский алтарь, Венера Милосская).
